Warum wir Kunst machen

Warum machen Sie Kunst? Das ist die einfache Frage, die sich sieben Künstlerinnen und Künstlern gestellt haben. Ihre Antworten sind überraschend und sehr unterschiedlich. Sie erwähnen, dass sie Kunst machen, um Spaß und Abenteuer zu erleben, Brücken zwischen sich und dem Rest der Menschheit zu bauen, Fragmente von Gedanken, Gefühlen und Erinnerungen wieder zu vereinen und aufzuzeichnen und Dinge zu sagen, die sie nicht auf andere Weise ausdrücken können.

Alle ihre Antworten sind zutiefst persönlich. In dieser Ausgabe von „Greater Good“ untersuchen wir die möglichen kognitiven und emotionalen Vorteile der Kunst, und doch beschwören diese Künstler einen grundlegenderen Nutzen herauf: Sie tun einfach das, wozu sie sich geboren fühlen.

Gina Gibney: Anderen Macht geben

Gina Gibney ist die künstlerische Leiterin der in New York ansässigen Gina Gibney Dance Company, die 1991 gegründet wurde, um eine doppelte Mission zu erfüllen: zum einen die Schaffung und Aufführung zeitgenössischer Choreografien, die sich auf die Kraft und die Erkenntnisse von Frauen und Männern stützen, und zum anderen die Bereicherung und Neugestaltung von Leben durch Programme, die Gemeinschaften in Not eine Stimme geben, insbesondere Überlebenden von häuslicher Gewalt und Personen, die mit HIV/AIDS leben.

Ich mache Kunst aus verschiedenen Gründen. Im Leben erleben wir so viel Zersplitterung des Denkens und Fühlens. Für mich bringt das Schaffen von Kunst die Dinge wieder zusammen.

In meiner eigenen Arbeit ist das während des gesamten Prozesses der Fall. Zu Beginn ist die Entwicklung der grundlegenden Rohstoffe für die Arbeit zutiefst reflektierend und informativ. Später bringt man diese Materialien zu einer formgebenden und formenden Bewegung zusammen, schafft einen Kontext und arbeitet an etwas, das sich zusammenhängend und vollständig anfühlt. Das ist unglaublich kraftvoll für mich – etwas, das mich wirklich in Gang hält.

Interessanterweise ist der Körper meiner Arbeit wie ein Katalog der Ereignisse und Gedanken meines Lebens. Für mich ist das Arbeiten fast so, als würde ich ein Tagebuch führen. Dies jemand anderem zu geben – als eine Art Geschenk durch eine Live-Performance – ist der sinnvollste Aspekt meiner Arbeit.

Tanz ist eine mächtige Kunstform, schon deshalb, weil er sich nicht erklären oder kommentieren muss. Eine der erstaunlichsten Aufführungen, die ich je in meinem Leben gesehen habe, war die einer Frau, einer Überlebenden häuslicher Gewalt, die in einem winzigen Konferenzraum in einem Schutzraum für andere Überlebende häuslicher Gewalt tanzt. Sie war keine professionelle Tänzerin. Sie war eine Frau, die vor unglaublichen Herausforderungen stand und mit viel Trauer lebte. Sie schuf und tanzte ein erstaunliches Solo – aber ihre Leistung als „traurig“ zu bezeichnen, hätte das Erlebte geschmälert.

Das ist die Kraft des Tanzes. Man kann etwas fühlen und sich auf einer sehr tiefen Ebene einfühlen, und man muss keine Worte dafür finden.

Judy Dater: Ich mag es, Emotionen auszudrücken

Judy Dater fotografiert seit mehr als 40 Jahren und gilt als eine der führenden Fotografinnen Amerikas. Zu ihren Büchern, die mit einem Guggenheim- und vielen anderen Preisen ausgezeichnet wurden, gehört auch Imogen Cunningham: Ein Porträt, Frauen und andere Visionen, Körper und Seele und Zyklen.

Ich drücke gerne Gefühle aus – damit andere das fühlen, was ich fühle, wenn ich Menschen fotografiere.

Einfühlungsvermögen ist für die Porträtfotografie unerlässlich. Ich habe schon Landschaften gemacht, und ich denke, sie können sehr poetisch und emotional sein, aber es ist anders als die Direktheit des Fotografierens einer Person. Ich denke, das Fotografieren von Menschen ist für mich der beste Weg, um jemandem etwas von sich selbst zu zeigen – entweder die Person, die ich fotografiere, oder die Person, die aussieht -, die er vielleicht noch nicht kennt. Vielleicht ist es anmaßend, aber das ist der Wunsch. Ich habe das Gefühl, dass ich mich um die Menschen kümmere, wenn ich sie fotografiere, und ich glaube, ich verstehe die Menschen besser, weil ich sie seit 40 Jahren intensiv betrachte – einige Jahre lang.

Pete Docter: Es macht Spaß, Dinge zu machen.

Pete Docter war an einigen der beliebtesten und bahnbrechendsten animierten Features des Pixar Studios beteiligt, darunter Toy Story, A Bug’s Life, Cars und Wall-E, aber am bekanntesten ist er als Regisseur der mit dem Oscar ausgezeichneten Monsters, Inc. Docter führt derzeit die Regie bei Up, das im Mai 2009 veröffentlicht werden soll.

Ich mache Kunst hauptsächlich, weil mir der Prozess Spaß macht. Es macht Spaß, Dinge zu machen.

Und ich bin sicher, dass es auch diesen universellen Wunsch gibt, mit anderen Menschen in irgendeiner Weise in Kontakt zu treten, ihnen von mir oder meinen Erfahrungen zu erzählen. Was ich wirklich in einem Projekt suche, ist etwas, das mit dem Leben, wie ich es sehe, in Resonanz geht und über unsere Erfahrungen als Menschen spricht. Das klingt wahrscheinlich ziemlich hochtrabend, wenn es von jemandem kommt, der Cartoons macht, aber ich glaube, alle Regisseure bei Pixar denken genauso. Wir wollen die Menschen unterhalten, nicht nur in einem leeren, eskapistischen Sinne (obwohl es sicher auch eine Menge davon in unseren Filmen gibt), sondern auf eine Weise, die beim Publikum als wahrhaftig über das Leben nachklingt – einige tiefere emotionale Erfahrungen, die sie in ihrer eigenen Existenz erkennen. Oberflächlich betrachtet handeln unsere Filme von Spielzeug, Monstern, Fischen oder Robotern; auf einer grundlegenden Ebene geht es um sehr universelle Dinge: unser eigenes Ringen mit der Sterblichkeit, dem Verlust und der Definition dessen, wer wir in der Welt sind.

Als Filmemacher sind wir so gut wie Höhlenmenschen, die am Lagerfeuer sitzen und Geschichten erzählen, nur dass wir dafür Millionen von Dollar an Technologie einsetzen. Indem wir Geschichten erzählen, verbinden wir uns miteinander. Wir sprechen über uns selbst, unsere Gefühle und darüber, was es heißt, ein Mensch zu sein.

Oder wir machen einfach Cartoons. So oder so versuchen wir, uns zu amüsieren, und wir hoffen, dass das Publikum es auch tut.

Harrell Fletcher: Alles, was jemand als Kunst bezeichnet, ist Kunst.

Harrell Fletcher lehrt an der Kunstabteilung der Portland State University. Er hat im San Francisco Museum of Modern Art, im Berkeley Art Museum, im Socrates Sculpture Park in New York und in zahlreichen anderen Museen und Galerien auf der ganzen Welt ausgestellt. Im Jahr 2002 begann Fletcher mit Learning To Love You More, einer partizipatorischen Website mit Miranda July, die sie in ein Buch verwandelten, das 2007 veröffentlicht wurde. Fletcher erhielt 2005 den Alpert-Preis für Bildende Kunst.

Die Frage, warum ich Kunst mache, muss erst ein wenig aufgeschlüsselt werden, bevor ich sie beantworten kann.

Zunächst einmal: Was ist Kunst? Die Definition für Kunst, die ich mir ausgedacht habe und die für mich am besten zu funktionieren scheint, ist, dass alles, was jemand als Kunst bezeichnet, Kunst ist. Das rührt von meiner Überzeugung her, dass Kunst nichts Wesentliches ist. Wir können keine chemische Analyse durchführen, um festzustellen, ob etwas Kunst ist oder nicht. Stattdessen habe ich das Gefühl, dass die Bezeichnung „Kunst“ in Wirklichkeit nur eine subjektive Art und Weise ist, einen Wert anzugeben – der ästhetisch, kulturell, monetär usw. sein kann.

Wenn wir uns andere Arten von kreativer Tätigkeit ansehen, können wir sehen, wie verschiedene Formen gleichzeitig existieren und gültig sein können. Ich mache das, was ich als Kunst betrachte, seit ich ein Kind war, zuerst Zeichnungen, dann Fotos, Gemälde, Videos und so weiter. Als ich die Schule abgeschlossen hatte, war ich nicht mehr so sehr daran interessiert, mehr Dinge zu machen, sondern begann stattdessen, mich in eine andere Richtung zu bewegen, die heutzutage manchmal „Soziale Praxis“ genannt wird.

Dies ist eine Art verwirrender Begriff, da er so neu und undefiniert ist. Im weitesten Sinne betrachte ich ihn als das Gegenteil von isoliert hergestellten Studio-Praxis-Objekten, die in einem Galeriekontext gezeigt und hoffentlich verkauft werden. Der Großteil der Kunstwelt arbeitet mit diesem Studio-Practice-Ansatz. In der sozialen Praxis liegt der Schwerpunkt mehr auf Ideen und Aktionen als auf Objekten; sie kann außerhalb des Kunstkontextes stattfinden, und die Arbeit hat oft einen kollaborativen oder partizipatorischen Aspekt.

Also zurück zu der Frage, warum ich Kunst mache. In meinem Fall erlauben mir die Projekte, Menschen zu treffen, die ich normalerweise nicht kennen lernen würde, an Orte zu reisen, die ich normalerweise nicht besuchen würde, etwas über Themen zu erfahren, von denen ich nicht wusste, dass sie mich interessieren würden, und manchmal sogar Menschen auf kleine Art und Weise zu helfen, die mir ein gutes Gefühl geben. Ich sage gerne, dass ich ein interessantes Leben führen möchte, und die Arbeit, die ich als Künstlerin mache, hilft mir dabei.

Kwame Dawes: Ein Umfeld der Empathie

Kwame Dawes, Ph.D., ist Distinguished Poet in Residence an der Universität von South Carolina. Er ist Autor von 13 Gedichtbänden, zuletzt Gomer’s Song, und eines Romans, She’s Gone, der 2008 mit dem Hurston/Wright Legacy Award für den besten Erstlingsroman ausgezeichnet wurde.

Ich schreibe in einem wahrscheinlich vergeblichen Versuch, die Welt, in der ich lebe, irgendwie zu kontrollieren, indem ich sie auf eine Art und Weise neu erschaffe, die meine Vorstellung davon befriedigt, wie die Welt aussehen und sein sollte.

Ich versuche, die Dinge, die ich sehe und fühle, in der Sprache zu erfassen, um ihre Schönheit, ihre Macht und ihren Schrecken festzuhalten, damit ich zu diesen Dingen zurückkehren und sie wieder erleben kann. Auf diese Weise versuche ich, ein gewisses Gefühl der Kontrolle in einer chaotischen Welt zu haben.

Ich möchte mein Gefühl für die Welt – diese Art, die Welt zu verstehen, sich auf sie einzulassen und sie zu erleben – irgendwie jemandem anderen vermitteln. Ich möchte, dass sie in die Welt, die ich mit der Sprache geschaffen habe, transportiert werden.

Und so ist das letztendliche Ziel meines Schreibens, eine Umgebung der Empathie zu schaffen, etwas, das das Wunder der Empathie ermöglicht, in der die Menschen scheinbar aus sich selbst herauskommen und sich in andere ausdehnen und in anderen leben können. Das hat eine ungeheure Kraft für den Menschen. Und ich weiß das, denn das ist es, was die Schrift anderer Menschen mit mir macht, wenn ich sie lese.

James Sturm: Die Gründe sind unwichtig

James Sturm ist Karikaturist und Mitbegründer des Center for Cartoon Studies in White River Junction, Vermont. Er ist der Autor des meistverkauften und preisgekrönten Graphic Novel The Golem’s Mighty Swing, der vom Time Magazine zum besten Graphic Novel des Jahres 2000 gewählt wurde. Im Jahr 2007 wurde seine Trilogie historischer Graphic Novels in einem Band mit dem Titel James Sturms Amerika gesammelt: Gott, Gold und Golems.

Mir gefällt die Frage „Warum machen Sie Kunst?“, weil sie davon ausgeht, dass das, was ich mache, Kunst ist. Eine schmeichelhafte Annahme. Die Frage führt mich auch zurück in mein erstes Studienjahr, wo Fragen wie „Was ist Natur?“ und „Ist die Realität eine Welle oder ein Kreis?“ ernsthaft diskutiert wurden (normalerweise spät in der Nacht und nach dem Rauchen von zu viel Gras).

Fünfundzwanzig Jahre später würde ich gerne glauben, dass ich in dieser Frage ein wenig klarer im Kopf bin. Vielleicht ist die einzige Einsicht, die ich gewonnen habe, das Wissen, dass ich keine Ahnung habe, und zweitens sind die Gründe dafür unwichtig. Je nach meiner Stimmung, an einem beliebigen Tag, könnte ich das Kunstmachen auf einen hochgesinnten Impuls zurückführen, sich mit anderen zu verbinden oder die Welt zu verstehen, oder auf einen narzisstischen Bewältigungsmechanismus oder auf den Wunsch, berühmt zu sein oder Therapie oder als meine religiöse Disziplin oder ein Gefühl der Kontrolle oder den Wunsch, die Kontrolle abzugeben, usw., usw., usw.

Was auch immer der Grund dafür ist, es besteht ein innerer Zwang, und ich halte mich weiterhin an diesen inneren Imperativ. Wenn ich es nicht täte, würde ich mich wirklich schrecklich fühlen. Ich wäre ein gebrochener Mann. Ob der Versuch, Kunst zu machen, also edel oder egoistisch ist, bleibt die Tatsache, dass ich es trotzdem tun werde. Alles, was über diese Aussage hinausgeht, ist Spekulation. Ich würde befürchten, dass ich mit der Verkündung, warum ich Kunst mache, meine eigene Propaganda erzeugen würde.

KRS-One: Hip-Hop ist jenseits von Zeit und Raum

Lawrence Krisna Parker, besser bekannt unter seinem Künstlernamen KRS-One, wird von Kritikern und anderen MCs weithin als eine der einflussreichsten Figuren des Hip-Hop angesehen. Bei den Black Entertainment Television Awards 2008 erhielt KRS-One den Lifetime Achievement Award für sein Rappen und seinen Aktivismus.

Ich bin so geboren, geboren, um Kunst zu machen, um Hip Hop zu machen. Und ich denke, ich bin nur einer der Menschen, die den Mut hatten, bei meiner angeborenen Identität zu bleiben. Hip-Hop hält mich treu, hält mich menschlich.

Hip-Hop ist das Gegenteil von Technologie. Hip-Hop ist das, was der menschliche Körper macht: Breaking, DJing, Graffiti-Writing. Der menschliche Körper breakdankt, das kann man nicht wegnehmen. DJing ist keine Technologie; es ist menschliche Intelligenz über Technologie: Schneiden, Mixen, Scratchen. Es ist körperlich. Die Manipulation von Technologie ist das, was Menschen tun, das ist Kunst.

Oder nehmen Sie Graffiti-Schrift. Geben Sie jedem Kind im Alter von zwei oder drei Jahren ein Schreibgerät in die Hand. Sie werden nicht auf ein Papier schreiben, wie sie später sozialisiert werden, sondern sie werden an die Wände schreiben. Sie spielen einfach nur. Das ist menschlich. Graffiti erinnert Sie an Ihre Menschlichkeit, wenn Sie Ihren Selbstausdruck an die Wand kritzeln. Hip-Hop hilft uns, die Dinge in der Welt auf neue Weise zu sehen.

Deshalb hat mich HipHop jung gehalten. Es erlaubt dir nicht, zu schnell erwachsen zu werden. Hip-Hop ist jenseits von Zeit und Raum. Darum mache ich Hip Hop.